El arte interestelar de Verona Sorensen en Le Gesù

Este jueves 13 de julio, de 15:00 a 17:00 horas, no te pierdas el Arte interestelar de Verona Sorensen en Le Gesù, en el 1200 de Bleury

Durante el Festival de Jazz de Montreal, del 28 de junio al 16 de julio, el recinto de artes escénicas Le Gesù acogerá la Art-Expo. Con la curaduría del profesor Norman Cornett, se seleccionaron nueve artistas para que expusieran cuatro de sus pinturas cada uno. A lo largo de las tres semanas, cada artista tendrá un vernissage personal con más de sus obras en una hermosa sala dentro del espacio principal de exposición.

Cuando vi que la pintora de Montreal Verona Sorenson formaba parte de la muestra, aproveché la oportunidad de entrevistarla. Su trabajo me conmueve, así que me emocionó aprender más sobre su proceso. Es una de esas raras artistas locales que se ha internacionalizado legítimamente, habiendo realizado exposiciones en Canadá, Estados Unidos, Europa y América Latina. Las obras de Verona se pueden encontrar en las principales colecciones corporativas de Loto-Quebec, Bankers Hall, Jameson Development Corp., Nicolet Chartrand Knoll Ltée, Nordstrom y en varias colecciones privadas de todo el mundo.

En cuanto a su origen, nació en Montreal y se crió en los cantones orientales de Quebec, de madre filipina y padre noruego que también era pintor. Recibió una licenciatura en Bellas Artes de Concordia. Después de graduarse, fue invitada a realizar un aprendizaje con el colectivo artístico Dormice en Europa. Después de dos años de formación con ellos en Italia y Austria, se mudó a México para estudiar la técnica de la pintura encáustica.

Su declaración de artista dice lo siguiente: « Me interesa crear pinturas donde las formas concretas se entremezclan con el espacio elusivo, en un intento de encontrar el equilibrio. Trabajo de manera aditiva y deductiva, explorando tanto la influencia del tiempo y su efecto en las superficies, como la profundidad a través de planos contrastantes ».

Descubrí su arte en 2018 y, francamente, me quedé impresionada. Hace el tipo de piezas expresionistas abstractas que tocan una fibra muy profunda en mí. Sus obras tienen profundidad, oscuridad, emoción, movimiento y textura. Utiliza cera caliente y aceite para incorporar otros materiales como arena, pigmentos y turmalina negra al lienzo. Para describir este proceso, aquí hay una cita de la entusiasta crítica de Sandy Campbell sobre la exposición de Verona de 2014 ABSTRACT en Londres, Inglaterra:

« Tras estudiar pintura encáustica, los lienzos de Sorensen son superficies profundas y con mucha textura que se construyen durante meses o incluso años utilizando aceite, cera y arena. Una vez que se han construido estas capas dinámicas, raspa la superficie para dejar vislumbrar las ricas superficies que se encuentran debajo. Dice sobre su trabajo: « Quiero revelar la belleza que se esconde debajo de las superficies. Mis pinturas comunican fuerza y ​​vulnerabilidad. Analogías de la condición humana; las dificultades, la oscuridad y la luminosidad ».

Así que, una cálida tarde de domingo, di un agradable paseo bajo la lluvia hasta su estudio para entrevistarla. Pasamos 90 minutos completamente absortos en los temas de su obra, su proceso, su evolución como artista y el uso de la Inteligencia Artificial en el Arte. Estos son los puntos destacados…

Comencemos hablando de su proceso y técnica. Su biografía dice que su trabajo explora la influencia del tiempo y su efecto en las superficies. ¿En qué consiste esto?

Cuando comencé a pintar, estaba haciendo arte muy figurativo. Principalmente estaba aprendiendo a entender el rostro. Es un tipo de proceso muy diferente cuando hay un punto de referencia. Puede ser súper meditativo. Pero cuando comencé a hacer pinturas abstractas, se sintió menos meditativo. Ya no estaba traduciendo lo que veía con mis ojos, a través de mi mano directamente sobre el lienzo. Sentía que no estaba usando los mismos músculos y procesos cerebrales.

Ahora reconozco que se siente más como un baile: el lienzo me habla y luego respondo, dejando una marca, evaluando, respondiendo. No hay reglas sobre cómo debe verse, así que simplemente bailas con lo desconocido y creas un lenguaje propio. Agregas y quitas diferentes capas de textura, buscas algún tipo de equilibrio.

A menudo tengo que darme tiempo para evaluar realmente si me siento bien. También trato de dar espacio para que el subconsciente se involucre y participe en la creación, sin obsesionarme demasiado con todo el asunto. Mientras tanto, una parte de mí intenta darle sentido en términos de forma y composición. Puede que tenga una inspiración sobre cómo se verá o se sentirá, pero para mí rara vez está explicado de antemano.

Hablemos de las pinturas INTERSTELLAR que estás presentando esta semana en Le Gesù. Esta serie parece ser una nueva dirección en tu trabajo, utiliza una paleta de colores mucho más brillante y tiene más forma, menos textura.

Su nota de prensa la describe como: « Pinturas de paisajes interestelares, donde las formas concretas se entremezclan con el espacio elusivo. Exploro la forma en que los colores complementarios y contrastantes crean profundidad en un juego de entrelazamiento del primer plano y el fondo. En un mundo cada vez más dominado por la tecnología, es importante encontrar el equilibrio, donde la máquina pueda encontrarse con lo efímero ».

¿Cuéntenos sobre los temas de esta colección y qué inspiró esta nueva dirección?

Unos años después de que mi padre falleciera, vi la película Interstellar. En ella, hay un vínculo profundo entre el padre y la hija y su conexión a través del tiempo y el espacio. La idea de tener una capacidad de comunicarse más allá, de un reino a otro, me intrigó. Hay tomas en la película donde una pequeña nave espacial contrasta con el espacio vacío que la rodea. Uno tiene la impresión de estar perdido en una profundidad aterradora, pero a la vez imponente. Eso es parte de lo que intento capturar en esta serie.

En términos de técnica, comencé a trabajar con cinta verde. Su uso me ayudó a determinar dónde y cómo dividir la composición, dónde obtener algunas líneas rectas. La sensación fluida y similar a una nube en el fondo contrasta con las líneas de bordes duros, creando una sensación de profundidad. Estas formas de bordes afilados me hicieron pensar en esas naves espaciales que vuelan por la galaxia.

También durante la pandemia, trasladé mi estudio al espacio habitable de mi loft. Así que cambié de pintura al óleo a acrílico porque es menos tóxico. El acrílico es un medio que se seca rápidamente y es más mate. Es más difícil crear el mismo tipo de texturas ricas que con la pintura al óleo, por lo que los colores pueden aparecer a través de los tonos más oscuros de manera más sutil. Entonces, comencé a jugar con la profundidad de una manera nueva, incorporando una paleta de colores más brillante y contrastante.

Hablemos de tu interés por el encuentro entre la máquina y lo efímero. Usamos la tecnología de nuestros teléfonos, computadoras portátiles, pantallas planas y consolas de videojuegos para crear, comunicarnos, tener experiencias efímeras que generan picos de dopamina en nuestros sistemas nerviosos. ¿A qué hacías referencia con este concepto en Interstellar?

Durante la pandemia, me puse a pensar en cómo el cuerpo es como una nave espacial. Un anfitrión que protege una parte de nosotros que simplemente está explorando y visitando el lugar. El cuerpo es nuestra tecnología en cierto modo, es biotecnología. El espíritu necesita tener algún tipo de vehículo para viajar.

Muchos artistas se oponen vehementemente al uso de la IA. Sin embargo, para ti, esta búsqueda de lo efímero a través de las máquinas es lo que te hizo querer experimentar con ella. Lo que te llevó a tu nuevo proyecto en desarrollo llamado Ancestry AI and Art. ¿Cuál es el concepto detrás de esta nueva serie?

Quería experimentar con mis dos linajes. Los paisajes del lado filipino de mi madre, que son visualmente coloridos con flores exuberantes y plantas verdes, y el lado escandinavo de mi padre, con sus montañas, hielo, tonos tierra y nieve blanca. Una persona puede cargar un mínimo de 30 imágenes en el software Playform AI que uso. Entonces, introduzco 15 imágenes de cada lado y entreno a la IA para que las fusione, lo que da como resultado cientos de imágenes combinadas. Elijo mis favoritas y hago pinturas inspiradas en los resultados.

La IA genera una gran cantidad de resultados. Lotes de 50 imágenes con todas las micro transiciones matizadas entre iteraciones. ¿Cómo se navega por todas estas posibilidades? Solo hay que hacerlo intuitivamente, dejarse llevar por lo que resuene. Todo es bastante interesante, algunas tienen un aspecto espeluznante, muy extraño, amalgamas extrañas y otras parecen paisajes y órganos: el corazón o los pulmones.

También hice una inmersión profunda en mi genealogía y descubrí que estoy emparentado con Daniel Boone, que es mi primo hermano, octavo. Aprender más sobre las aventuras de mis antepasados ​​durante la fiebre del oro me hizo aventurarme a Nome en Alaska con mi bisabuelo en mente. Todos estos pequeños fragmentos de información se incorporan a la orquesta y la composición de las pinturas, aunque sea solo como una historia de fondo. Intenté superponer mi árbol genealógico sobre algunos lienzos, pero no estoy seguro de que funcione. Todavía estoy explorando cómo traducir toda esta fascinante historia en un vocabulario visual. Está en desarrollo, es un trabajo en progreso. En el próximo capítulo de este proyecto, me interesa explorar cómo la curación se entrelaza con la creación de arte.

Esta es mi pregunta favorita para hacer en las entrevistas. La vida de un artista está llena de altibajos, triunfos y fracasos. No solo requiere talento, sino también perseverancia. Como músico, recuerdo la primera vez que actué a nivel internacional en un festival importante en Europa. Me dio una gran validación de que estaba en el camino correcto en mi vida. Finalmente estaba llegando a donde se suponía que debía estar.

Entonces, ¿cómo se siente ver que tu trabajo es apreciado en otros países? ¿Tuviste un momento particular en el que sentiste que habías llegado, que lo lograste, que tu carrera era legítima? ¿Qué tal un momento totalmente surrealista en el que te sentiste como una auténtica estrella de rock? Por otro lado, ¿tuviste algún desastre divertido que casi arruinara una exposición?

Hubo un momento durante mi exhibición en Londres ABSTRACT en la Galería Woolff donde mi arte apareció en un artículo en la edición internacional del Wall Street Journal. Fue como, ¡guau, no me lo esperaba! Fue una sorpresa increíble. Ese tipo de cosas son emocionantes, piensas que te abrirán muchas puertas y que todo irá sobre ruedas a partir de ahí, pero (jaja) no sucede así. Siempre hay mucho trabajo después.

Otro momento surrealista y divertido fue trabajar con Portia de Rossi. Comenzó este proyecto en California llamado General Public. Hacen reproducciones de pinturas con un nivel de calidad impecable. Trabajan muy de cerca con Restoration Hardware, donde han colocado cinco de mis pinturas. Ha sido increíble para la exposición y ha generado ventas reales, así como regalías trimestrales.

Ojalá mi memoria fuera mejor para poder recordar y compartir más de los dulces momentos de este viaje salvaje y hermoso. ¡Participar en la Residencia de Arte Ginestrelle en Asís, Italia, definitivamente estuvo entre los mejores! Ese mes fue sublime y luego pasar las semanas siguientes viajando por toda Italia fue una verdadera experiencia de felicidad. Diría que saboreé muchos momentos de triunfo durante ese tiempo.

Sin embargo, en última instancia, cuando tu trabajo realmente toca a alguien, ese es probablemente el verdadero triunfo. Esa conexión efímera cuando tu trabajo toca a alguien con fuerza. Estar presente, realmente conectar con las diferentes experiencias que la vida tiene para ofrecer. Cuando estoy realmente presente, puedo sentir algo que se siente de otro mundo.

Otra de las cosas que admiro de ti es cómo expresas tu amor por nuestra bella ciudad y sus ciudadanos. Cuéntanos más sobre tu organización benéfica que ayuda a las personas sin hogar. ¡Por favor, promociona tu sitio web donde la gente puede hacer donaciones!

Food for Thought for the Homeless comenzó en 2016. Distribuimos alimentos, ropa, artículos de tocador, material de arte y escritura a las personas sin hogar. Se trata de conectar con nuestra propia humanidad, con nuestra comunidad. Hicimos muchas campañas a lo largo de los años. El impulso fue total y, a veces, solo intentaba seguir el ritmo. Es un proyecto emocionante que a menudo me recuerda lo que se siente estar al servicio de algo más grande que yo.

Aunque la pandemia hizo que fuera mucho más difícil sostener este proyecto, me permitió concentrar esa misma energía, intención y vibración en la creación de mi arte. Desde la pandemia, centramos nuestras actividades de alimentos y paquetes de ayuda principalmente en Navidad. Aquí está el enlace a nuestro GoFundMe para 2023.

Con suerte, me quedaré aquí para seguir supervisándolo. Pero la dificultad de Montreal en este momento son los aumentos masivos de alquileres cada año. La gentrificación es un problema, al igual que la falta de viviendas asequibles. El aumento de la población sin hogar es un resultado directo. No es sostenible y la ciudad no debe olvidarse de las personas en la búsqueda de ganancias. Hablando por mí, todos los años temo el próximo aumento anual del alquiler. Tarde o temprano sospecho que resultará en una mudanza, tal vez fuera de la ciudad o a otro país. Amo Montreal por muchas razones, pero no está haciendo que sea fácil para sus artistas seguir viviendo aquí.

¡Gracias por tomarte el tiempo para hablar con nosotros, Verona! ¿Hay otros detalles que te gustaría compartir sobre tu vernissage este jueves?

¡¡Gracias a ti!!! Por supuesto, el vernissage es el jueves 13 de julio, de 15:00 a 17:00 horas, en Le Gesù en 1200 Bleury. Ofreceremos Prosecco, vino y delicias para picar de un nuevo y sorprendente restaurante llamado Le Greenfield. Mostraré una variedad de pinturas accesibles de tamaño pequeño y mediano, que agregan variación a las 4 pinturas que se muestran actualmente en el área de exhibición principal.

Las pinturas principales consisten en paisajes interestelares, donde las formas de concreto se entremezclan con el espacio elusivo. Siento que este conjunto de trabajos refleja un viaje espacial macro/micro, con máquinas aventurándose en reinos desconocidos. El contenedor de hormigón es tanto una nave espacial que viaja a través de la galaxia como nuestros cuerpos que contienen el espacio para que nuestro espíritu/alma exista y resida en este mundo material.

¡Espero que algunos de ustedes vuelen con sus naves a Le Gesù este jueves y podamos celebrar juntos este maravilloso y salvaje reino!

Para descubrir más sobre Verona Sorensen, visita su sitio web y su Instagram.

***

¿Buscas más cosas para hacer mientras estás en el centro de Montreal, llueva o haga sol? Mira aquí.