Wardruna nous a guidés vers Valhalla avec des mélodies envoûtantes
Le mardi 18 octobre, nos esprits sont montés vers les cieux, guidés vers Valhalla par les mélodies envoûtantes de Wardruna. Leur prestation a été grandement appréciée par un public enthousiaste. Beaucoup d’entre eux se sont habillés pour l’occasion en portant leurs plus belles tenues vikings composées de cuir, de fourrure et de maquillage de peinture de guerre !
C’est l’un des concerts qui m’a rendu fier d’être Montréalais. Où un groupe de musiciens non conventionnels jouant une étrange musique ésotérique a été accueilli par le public sous un tonnerre d’applaudissements. Nous leur avons fait savoir avec véhémence à quel point leur performance nous avait ému !
Pendant le rappel. la foule était si bruyante que plusieurs tentatives du chef d’orchestre pour nous parler ont été complètement ignorées. Le public a plutôt commencé à taper du pied et à tambouriner sur les tables et les chaises. Lâcher collectivement l’énergie que la musique avait créée en nous. Cela m’a rappelé le retour de Saku Koivu sur la glace après avoir vaincu le cancer, lorsque l’annonceur de l’arène essayait sans cesse d’amener la foule à arrêter d’acclamer pour qu’elle puisse chanter l’hymne national. Mais chaque fois qu’il essayait de parler, le public rugissait dix fois plus fort. On pouvait dire que le groupe appréciait profondément cet élan d’émotion.
Alors qui est ce groupe mystérieux qui nous a si profondément marqués ? Fondé en 2003 en Norvège, Wardruna crée un mélange unique de musique folk néo-païenne basée sur les traditions nordiques. Leurs chansons sont basées sur des artefacts culturels tels que des runes nordiques, des poèmes épiques qui racontent les actes de célèbres héros nordiques et sur des proverbes attribués à Odin dans leurs textes sacrés.
Le groupe a acquis une grande notoriété grâce à son implication dans la composition de la musique de la deuxième saison de la série télévisée à succès VIKINGS . Ce qui a permis à leur album Runaljod – Ragnarok d’atteindre la première place des charts Billboard World Music . Le chef d’orchestre Einar Selvik est même apparu dans la série en tant que scalde, interprétant la chanson mortelle de Ragnar dans la saison 4.
Il est inévitable qu’ils fassent des comparaisons avec Heilung mais en réalité, ils sont très différents. La musique de Heilung est fortement basée sur les percussions, un orchestre de rythmes de grosse caisse qui frappent vos sens. Les drones sont créés par des chants de gorge qui ajoutent une dimension étrange et surnaturelle. Ils n’utilisent que des instruments primitifs qui existaient au Moyen Âge en Scandinavie, ce qui donne un son beaucoup plus rugueux. Les trois chanteurs partagent la vedette tout au long de chaque chanson, dirigeant et harmonisant à tour de rôle. Leurs styles vocaux contrastent fortement les uns avec les autres, un mélange de chants de gorge, de chants gutturaux et de belles mélodies éthérées qui planent au-dessus. Ils s’appuient sur de nombreuses dynamiques d’appel/réponse. La musique est pleine de dynamiques changeantes, de flux et de reflux.
Heilung vous emmène dans un voyage primitif profond composé à la fois de lumière et d’obscurité. Leur musique est très stimulante et n’est pas pour les âmes sensibles. Ils fabriquent des instruments à partir d’os humains. Leurs performances sont des rituels chamaniques et non des concerts. C’est une bacchanale sauvage où le temps n’a aucun sens. Où nous hurlons dans un bosquet effrayé en faisant des sacrifices aux dieux sous une lune de sang.
Wardruna crée également une musique cérémonielle néo-païenne évocatrice inspirée de l’ère viking. Contrairement aux rituels païens sauvages, leur musique ressemble à un requiem pour les guerriers tombés au combat, chanté avec un profond respect une fois la guerre terminée. Leurs costumes sont plus sobres, presque austères. Ils utilisent des instruments plus modernes du Moyen Âge. L’ajout d’instruments à cordes médiévaux permet des mélodies plus complexes et une tonalité plus douce. Ils utilisent moins d’instruments à percussion, donc il n’y a pas cette intensité Pow Wow d’un orchestre de cercle de tambours.
Leurs chansons sont très contrôlées et structurées, à l’opposé du chaos anarchique et sauvage de leurs contemporains. Le tempo a tendance à être lent et régulier et ils jouent avec beaucoup de respect et de gravité. Leurs chansons ont un aspect solennel mais ils évitent pourtant de se sentir sombres ou mélancoliques. Le résultat global est beaucoup plus mélodieux, exaltant et accessible.
Pendant le concert, la plupart de leurs chansons étaient dirigées par le chant d’Einar, complété par une chanteuse nommée Lindy Fay Hellawith. Les harmonies ont été fournies par les quatre autres membres du groupe. L’intensité du chant d’Einar est puissante et lyrique. Les chansons atteindraient un point culminant où chaque instrument et les six voix agiraient comme des couches harmonieuses unifiées. Laissant le public complètement fasciné.
En termes d’instrumentation, Einar utilisait plusieurs variétés de lyre, comme la lyre finlandaise connue sous le nom de jouhikko. La première représentation du jouhikko provient d’une sculpture de la Cathédrale de Trondheim qui date du 13ème siècle. Il a également joué de divers instruments de percussion comme un bloc de bois et un tambour à main semblable à un bodhran irlandais.
John Stenersen a joué tout au long du concert l’instrument mélodique principal appelé moraharpa. C’est l’ancêtre du nyckelharpa. Il s’agit essentiellement d’un violon à clé semblable à une vielle à roue. Il émet une variété de sons, allant des drones aux mélodies très similaires à celles d’un violon. La première version connue de cet instrument date de 1525. Il jouait également de la guimbarde sur certaines chansons, ce qui ajoutait ce bourdonnement inhabituel.
La section rythmique était composée deHC Dalgaard aux percussions, batterie et amp; choristes et Arne Sandvoll comme touche-à-tout sur une variété d’instruments. Eilif Gundersen jouait de divers instruments à vent. Des simples flûtes mélodieuses avec un ton clair au bukkehorn au son plus inhabituel. Fabriqué à partir d’une corne de bélier, il a un son étrangement gazouilli qui me rappelle un shenai (la flûte utilisée par les charmeurs de serpents en Inde).
Mais les plus impressionnantes étaient ces cornes de cérémonie massives connues sous le nom delur. Le lur est une corne incurvée faite de bois et de bronze. La forme incurvée a été développée pour faciliter le transport par les soldats lorsque les armées étaient en marche. Ils ont été joués à deux, apportant une dimension supplémentaire au son du groupe.
La scénographie a été complétée par des projections vidéo sur une série d’écrans blancs texturés. Ils ont projeté des runes vikings, des paysages naturels, des animaux sacrés. Parfois, les lumières se concentraient sur un membre spécifique du groupe qui dirigeait la chanson et projetaient une ombre massive sur l’écran principal derrière le groupe. Créant l’effet d’un chaman récitant une saga près du feu, son ombre enfumée se profilant de façon spectaculaire sur le mur d’une grotte. À des moments clés des chansons, l’éclairage créatif jaillissait des côtés de la scène, illuminant le groupe de manière inattendue.
Lors du rappel, lorsqu’Einar a finalement réussi à calmer la foule, il a prononcé un discours sincère. Il a expliqué que la philosophie directrice du groupe est de traiter le passé avec respect afin de créer quelque chose de nouveau. Ils ne prétendent pas être des Vikings et ne sont certainement pas d’accord pour que leur musique soit appropriée par les suprémacistes blancs. Leur message est que toutes les cultures ont quelque chose à nous apprendre. Honorer nos ancêtres n’est pas un sport de compétition dans lequel nous devons vaincre et éliminer d’autres cultures.
Il a expliqué comment, dans le monde moderne, nous avons perdu la tradition de chanter ensemble en tant que communauté. Pour marquer des moments marquants à travers la chanson. Autrefois, nous avions des chants pour le tissage, des chants pour planter, des chants pour récolter, des chants pour cuisiner, des chants pour brasser de la bière.
Nous avions des chansons pour honorer les morts, pour aider à guider leurs esprits de la Terre au Valhalla. Il nous a encouragés à créer ensemble de nouveaux chants sacrés. Ce qui a conduit à une interprétation émouvante de la chanson requiem Fehu, qui pour moi a été le point culminant du concert. Il y a juste quelque chose de spécial dans cette chanson qui me met directement dans l’ambiance.
Le groupe a salué et une fois de plus, la foule a éclaté dans un pandémonium qui ne pouvait pas être facilement réduit au silence. Lorsque l’ordre fut rétabli, le groupe partit à l’exception d’Einar. Il nous a dit combien c’était agréable d’être de retour à Montréal, qu’ils avaient passé du temps ici à travailler sur la musique du jeu vidéo Ubisoft Assassin’s Creed Valhalla.
Il a ensuite parlé de ses expériences dans l’émission télévisée Vikings et de l’honneur qu’il a eu d’interpréter devant la caméra le poème épique Krákumál. Qui raconte l’histoire des derniers instants de Ragnar Lodbrok. Il a été exécuté en Angleterre après avoir été jeté dans une fosse aux serpents. Il a plaisanté sur le fait que les paroles des vieilles sagas vikings étaient infiniment plus sanglantes que le Black Metal contemporain le plus extrême. Pour le rappel final, il a interprété cet émouvant hommage à Ragnar, un requiem pour le guider à travers le Rainbow Bridge…
Si vous souhaitez en savoir plus sur Heilung, consultez notre revue de leur performance à Montréal en 2020 ici.
